No dia 26 de junho de
2018, foi aberto um seminário sobre Arte Concreta e Vertentes Construtivas, que
me homenageou como uma das participantes daquele movimento ocorrido no Brasil
na década de 50. Abaixo, transcrevo a minha palestra naquele evento.“É para mim uma honra
estar aqui presente neste importante seminário.
Agradeço, de coração, a
homenagem que me está sendo prestada, agradeço aos críticos, artistas e pesquisadores
que organizaram este seminário.
Considero da maior
importância um estudo aprofundado do construtivismo brasileiro da década de 50.
Como artista mineira, atuante na época, posso dar o testemunho da minha própria
experiência.
O construtivismo foi
importantíssimo para todos nós que abraçamos as ideias vanguardistas daquela
época. Para mim ele foi como uma semente que mais tarde se reproduziu em outras
formas de expressão. Devo à minha experiência construtiva dos anos 50 a fase
atual de esculturas e colagens. Foi a retomada da ordem construtiva, depois de
muitos anos de liberdade da fase gestual.
Para este seminário
procurei selecionar textos escritos para o meu blog e retirados dos meus dois
livros: Vivência e Arte e Os Caminhos da Arte.
A exposição Ordem &Liberdade, sobre a arte abstrata
nas coleções do MAM e de Gilberto Chateaubriand, inaugurada no final de 2003 no
Museu de Arte Moderna do Rio, tendo como curador o crítico Fernando
Cocchiarale, propunha uma retomada histórica do abstracionismo no Brasil, com
ênfase nos anos 50. Naquela exposição eu estava do lado correspondente à ordem,
à disciplina. Foi com emoção que pude rever os artistas da década de 50 que
participavam das bienais de São Paulo. Lá estavam, ao meu lado, vizinhos do
mesmo painel, os companheiros de arte da época, muitos já falecidos: Milton Dacosta,
Maria Leontina, Mário Silésio, Alfredo Volpi, Amilcar de Castro e Lygia Clark,
entre outros. Senti-me a própria sobrevivente percorrendo a mostra.
O concretismo na década
de 50 nos propunha disciplina, concentração, limpeza de cores, uma arte mental,
intimista, sem impulsos emocionais. Cultivava-se a virtude da paciência. Os
quadros levavam muito tempo para serem feitos e o instrumento usado na época
para se conseguir uma linha perfeita era uma espécie de caneta ou bisturi,
chamado tira-linhas, instrumento gráfico, em desuso hoje em dia, na era do
computador. Com as linhas paralelas eu fazia postes de luz e partituras musicais.
Gostava de ficar horas pintando, porque me fazia bem à alma.
Passar pelo concretismo
foi para mim uma lição de vida. O fazer artístico significava crescimento. A
integração de várias áreas das artes, necessária a uma revisão de valores, era
um dos pontos mais importantes do movimento concretista a partir da primeira Bienal
de São Paulo. Poetas, músicos, pintores e escultores se uniam dentro do mesmo
ideal estético, dando prioridade à pureza da forma. O grande incentivador do concretismo
foi o crítico Mário Pedrosa, que visitava os artistas em seus ateliês e, muitas
vezes, chegava até Minas Gerais, para acompanhar os trabalhos dos artistas
mineiros que buscavam uma arte pura, desligada dos padrões figurativos. Os
júris de seleção das primeiras bienais, que às vezes eliminavam 90% dos
trabalhos apresentados, eram o grande teste a ser enfrentado. Naquele tempo não
existiam curadores e os artistas se dispunham a passar por essa experiência de
júris nos salões e bienais.
A aprovação nas bienais
era a minha chance de descer das montanhas e viajar para São Paulo, encontrar
os amigos, companheiros de jornada, participar dos eventos internacionais, ter
um contato direto com as obras de arte e estudar o pensamento dos grandes
artistas abstratos europeus e latino-americanos. Trocava ideias com os artistas
de São Paulo: Maria Leontina, Milton Dacosta, Arcângelo Ianelli e Volpi. Para
nós não havia a preocupação matemática dos concretistas suíços, seguíamos o
comando da sensibilidade e da intuição. Naquela ocasião, as ideias
espiritualistas de Kandinsky começaram a me acenar como uma estrela luminosa.
Os grandes pintores abstratos europeus, principalmente os da vanguarda russa,
não se limitavam aos aspectos formais. Buscavam a transcendência, o contato
direto com os níveis mais profundos da consciência.
O rompimento com a
figura e o tema indicaram também direções novas para a escultura brasileira. A
exposição do artista suíço Max Bill, no Museu de Arte de São Paulo, em 1950,
impulsionou a nova geração de escultores ao questionamento dos moldes
tradicionais da escultura figurativa, para abraçar a forma tridimensional pura.
Do grupo de Minas, três artistas escultores aderiram ao movimento: Amilcar de
Castro, Franz Weissmann e Mary Vieira. Mais tarde, Mary deixou o Brasil para se
radicar na Suiça, onde se tornou aluna e seguidora de Max Bill. Amilcar e
Weissmann foram para o Rio de Janeiro e aderiram ao movimento neoconcreto.
Repensar o concretismo
é também repensar os caminhos por onde passamos. Aqui em Minas Gerais a nossa
visão da arte vinha dos antecedentes líricos de Guignard. Um pequeno grupo se
reunia no ateliê de Marília Giannetti, projetado pelo arquiteto Sylvio de
Vasconcellos. Marília Giannetti, Mário Silésio, Nelly Frade e eu formávamos o
grupo de pintores que, na década de 50, encontrou o seu próprio caminho dentro
da arte não figurativa. A mesma preocupação do simples estava em todos nós.
Revendo as obras do
Museu de Arte Moderna do Rio cheguei à conclusão que houve em todos nós um ponto de mutação
comum: a necessidade de eliminar o supérfluo, reduzir o impulso emocional e
buscar a essência na arte e na vida.
Naquela exposição
foi-me possível constatar um fato: todos nós mudamos depois de algum tempo,
alguns radicalmente, outros sem grandes saltos. O caminho da liberdade foi uma
consequência do exercício da disciplina. Ali no Museu, frente a frente, estavam
os opostos complementares de tudo que existe na natureza e na criação.
No momento em que a
arte construtiva brasileira está sendo amplamente divulgada no exterior, convém
lembrar também nossas origens indígenas.
“Eu nunca te
encontraria se já não estiveste comigo”. Esta frase do escritor francês Antoine
de Saint-Exupéry nos revela a força da tradição indígena brasileira, que
aflorou na década de 50, conduzindo artistas, pintores, desenhistas,
escultores, designers, arquitetos e poetas, para a busca da ordem e do equilíbrio
na arte. Essa ordem interna sempre foi buscada pelos índios em todas as suas
manifestações culturais que se estendiam para a vida da comunidade.
O movimento construtivo,
que se propagou pelo Brasil na década de 50, foi uma integração perfeita do
movimento vindo da Europa e da América Latina, com oque já existia nas nossas
raízes culturais.
Muito obrigada!”
*Fotos de Fernanda
Granato
VISITE TAMBÉM MEU OUTRO
BLOG “MINHA VIDA DE ARTISTA”, CUJO LINK ESTÁ NESTA PÁGINA.
Nenhum comentário:
Postar um comentário